特里斯坦与伊索尔德序曲（歌剧的形式有那些）

本文目录

• 歌剧的形式有那些
• 理察·华格纳（德国浪漫主义音乐大师）详细资料大全
• 莫扎特喜歌剧作品都有哪些
• 意、法、德歌剧的区别
• 管弦乐曲（管弦乐曲有哪些乐器）
• 简述瓦格纳对歌剧作出了何种改革代表作有什么
• 求古典音乐十大音乐家的巅峰作品
• 属和弦的特征音【试论和弦外音的美学特征】
• 瓦格纳的代表歌剧是什么

歌剧的形式有那些

1、歌剧（opera）是将音乐（声乐与器乐）、戏剧（剧本与表演）、文学（诗歌）、舞蹈（民间舞与芭蕾）、舞台美术等融为一体的综合性艺术，通常由咏叹调、宣叙调、重唱、合唱、序曲、间奏曲、舞蹈场面等组成（有时也用说白和朗诵)。早在古希腊的戏剧中，就有合唱队的伴唱，有些朗诵甚至也以歌唱的形式出现；中世纪以宗教故事为题材，宣扬宗教观点的神迹剧等亦香火缭绕，持续不断。
2、歌剧中的声乐部分包括独唱、重唱与合唱，歌词就是剧中人物的台词（根据样式不同，也可有说白）；器乐部分通常在全剧开幕时有序曲或前奏曲，早期歌剧还间有献词性质的序幕（包括声乐在内）。在每一幕中，器乐除作为歌唱的伴奏外，还起联接的作用。幕与幕之间常用间奏曲连接，或每幕有自己的前奏曲。在戏剧进展中，还可以插入舞蹈。
3、歌剧的音乐结构可以由相对独立的音乐片断连接而成，也可以是连续不断发展的统一结构。 歌剧中重要的声乐样式有朗诵调、咏叹调、小咏叹调、宣叙调、重唱、合唱等；其体裁样式有正歌剧、喜歌剧、大歌剧、小歌剧、轻歌剧、音乐喜剧、室内歌剧、配乐剧等。

理察·华格纳（德国浪漫主义音乐大师）详细资料大全

威尔海姆·理察·华格纳，1813年5月22日生于萨克森王国莱比锡，德国作曲家，著名的浪漫主义音乐大师。

他是德国歌剧史上一位举足轻重的巨匠。前面承接莫扎特的歌剧传统，后面开启了后浪漫主义歌剧作曲潮流，理查·施特劳斯紧随其后。同时，因为他在政治、宗教方面思想的复杂性，成为欧洲音乐史上最具争议的人物。

基本介绍

• 中文名 ：威尔海姆·理察·华格纳
• 外文名 ：Wilhelm Richard Wagner
• 国籍 ：德国
• 民族 ：日耳曼
• 出生地 ：萨克森王国莱比锡
• 出生日期 ：1813年5月22日
• 逝世日期 ：1883年2月13日
• 职业 ：作曲家
• 毕业院校 ：莱比锡大学
• 主要成就 ：德国歌剧史上承前启后的人物 将浪漫主义歌剧推至巅峰
• 代表作品 ：《特里斯坦与伊索尔德》《黎恩济》《漂泊的荷兰人》《汤豪舍》《罗恩格林》《尼伯龙根的指环》
• 逝世地 ：义大利王国威尼斯
• 类别 ：浪漫主义

人物生平,主要作品,人物评价,

人物生平

华格纳1813年5月22日生于莱比锡小官吏家庭，出世6个月，在警察局当职员的父亲就去世了。幼年喜爱文学、戏剧、绘画。1831年在莱比锡大学攻读哲学并学习作曲理论。他母亲不久改嫁给一个演员兼剧作家。不久全家就搬到继父工作的德勒斯登。华格纳在继父关照下，受到了最初的艺术薰陶，他对戏剧和音乐十分感兴趣。1827年，全家又迁回莱比锡。在莱比锡布商大厦剧院，他第一次听到贝多芬第九交响曲，深受感动。1831年，他进入莱比锡大学学习作曲，一年后，他创作了贝多芬风格的《C大调交响曲》。 青年时期的华格纳 1832年，经他哥哥介绍，到维尔茨堡任合唱指挥。同年他创作了他的第一部完整的歌剧作品《仙女》。之后，他又先后在马格德堡和柯尼斯堡担任音乐指挥。 1833年起，先后在一些中小城市的歌剧院任指挥和音乐指导。丰富的演出实践对其歌剧创作和歌剧改革思想的形成，起了积极作用。 1836年第一次结婚，次年前往当时俄国的里加任一家歌剧院的音乐指挥。1839年因为债务，乘船逃往伦敦。1840年至1841年在巴黎度过。1842年返回德国德勒斯登，任萨克森王国宫廷乐队指挥。 1842年，德勒斯登歌剧院上演其歌剧《黎恩济》获成功，被任命为该院指挥。后受巴枯宁影响，参加资产阶级革命。事败后流亡瑞士，转向妥协，信奉叔本华的悲观哲学。 1849年在德勒斯登参加五月起义，失败后被通缉，此后12年在巴黎等地流亡。在巴黎期间，认识了李斯特，后来娶了李斯特的女儿柯西玛为妻。1861年通缉令解除后，回到德国，住在威斯巴登的布里希镇。 1864年应巴伐利亚国王路德维希二世之召，返慕尼黑。1870年代为实践其歌剧改革的主张，在拜罗伊特自建歌剧院，上演其歌剧《尼伯龙根的指环》等。他所作歌剧还有《漂泊的荷兰人》、《汤豪舍》、《罗恩格林》、《歌唱大师》、《帕西法尔》等。主张歌剧改革应以福州为题材，戏剧与音乐须组成有机的整体，交响乐式的发展是戏剧表现的主要手段。他运用不间断的音乐结构的主导动机手法、半音和声体系和配器效果，丰富了歌剧的艺术表现力，对欧洲专业音乐的发展有深远影响。 1865年开始，得到了巴伐利亚国王路德维希二世的赞助。 1883年2月13日，在前往威尼斯避寒旅行期间，因心肌梗塞病死于威尼斯的温德拉敏宫中。 华格纳的儿子齐格弗里德·华格纳也是作曲家。 逝世 1879年以后，因为健康关系华格纳连续四个冬天都是在义大利度过的。1881年春，华格纳赴柏林参加《诸神黄昏》的公演， 在一片喝彩声中他突然脸色苍白，急忙退入休息室。一阵阵的心脏剧痛威胁着他的生命。华格纳顽强地活下来了，但从此健康状况日益下降。1882年，华格纳重返拜罗伊特，在那里参加了《帕西法尔》的首演，在最后一场演出中他还亲临指挥。随后，华格纳又回到威尼斯休养，终因心脏病复发，医治无效，于1883年2月13日死于威尼斯。 华格纳的遗体经慕尼黑运往拜罗伊特。2月16日下午二时，运有华格纳及其家属的专车从慕尼黑开出，沿途每一个车站都有无数的人汇集在那里默默祈祷。晚上，在慕尼黑车站上，有数千名华格纳的崇拜者，手持火炬在等待，当车子开出站时，数百面吊旗垂下。奏出华格纳的巨作《诸神的黄昏》中的葬礼进行曲。当列车抵达拜罗伊特时，巨大的哀哭声淹没了整个车站。每一户人家门前都拴了黑色吊旗，街灯也包上了布。一支巨大的送葬行列从街道上缓缓而过。华格纳死去的讯息很快传向全世界，吊辞从四面八方飞来。威尔第得知噩耗后悲痛万分，他在给朋友的信中写道：“悲！悲！悲！华格纳死了！！！大人物已消失，在文化史上留下伟大痕迹的那个名字！！！”雕刻家奥克斯达用石膏为死者拓取了遗容。华格纳的妻子柯西玛肝肠寸断，剪下一柬金发放到灵柩中永陪丈夫。

主要作品

仙女（Die Feen 1833-34，首演于1888年） 禁恋（Das Liebesverbot oder Die Novize von Palermo 1834-36，首演于1836年） 黎恩济（Rienzi, der Letzte der Tribunen 1837-40，首演于1842年） 漂泊的荷兰人（Der Fliegende Hollaender，1843） 汤豪舍（Tannhaeuser，1845） 罗恩格林（Lohengrin，1850） 崔斯坦和伊索德（Tristan und Isolde，1865） 纽伦堡的名歌手（Die Meistersinger Von Nürnberg，1868） 尼伯龙根的指环（Der Ring des Nibelungen，1876） 莱茵的黄金（Das Rheingold，1854） 女武神（Die Walküre，1856） 齐格弗里德（Siegfried，1871） 诸神的黄昏（Goetterdaemmerung，1874） 帕西法尔（Parsifal，1882） 管弦乐改编 格鲁克歌剧《依菲格尼亚在陶里德》序曲 重新配器 C大调交响曲 浮士德序曲 5首魏森东克的歌

人物评价

值得一提的是华格纳在他的乐剧中所表现出的对女性的崇拜。多年来，华格纳一直认为女性身上有救赎和毁灭两种特性。这种矛盾性使他创造的女性形象通常都是复杂的、怀着巨大痛苦的英雄女高音。表现在他的乐剧中，如《汤豪舍》中的伊莉莎白，《特里斯坦与伊索尔德》中的伊索尔德，《尼伯龙根的指环》中通过对爱情献身来拯救人类的布仑希尔德和《帕西法尔》中寓言式的女性孔德里。华格纳的音乐手法与剧场观念，深深影响了二十世纪的各种艺术。尤其是电影艺术受到华格纳的启发最多。值得一提的是，以色列一直因为华格纳的反犹太主义思想以及纳粹的原因，一直有一非正式的禁令，以色列国内从不上演华格纳的作品，不过这些年来稍有松动。 理察·华格纳 在华格纳生活的时代，德国人普遍认为德语不够雅致，宫廷内外盛行义大利与法国的歌剧，偏重音乐技巧上的华丽而忽视戏剧的内容。华格纳提出“乐剧”的口号，提倡以音乐跟戏剧并重为目的来创作歌剧，建议作曲家亲自参与剧本的创作，并认为歌剧的题材应只适宜于音乐处理。他将过去只在前奏或序曲中出现的管弦乐队的地位提升到了极致，使其成为统一全剧的支柱。另一明显的改革在于他乐剧中的主导动机。其实无论过去还是现代，作曲家都会在自己的作品中运用到主导动机。但华格纳不同于他们，他系统的运用主导动机，并通过复调来组合几个主导动机。可以说，由极端集中的情节编制出的主导动机之网覆盖全剧，使文字语言与音乐语言完美的结合，是一种精确而单纯的潜台词。除此之外，他的乐剧中几乎没有分曲，铜管乐的运用更加自由灵活，感情的意义由乐队以旋律及和声的方式表达，人声声部浮动于管弦乐流的表面，宣叙调与咏叹调之间没有明显的区分。华格纳的歌剧改革主要开始于《特里斯坦与伊索尔德》，这部歌剧1865年在慕尼黑的演出标志著西方世界音乐语言中一种新方言的开始，调性体系开始瓦解的标志。从此以后，“华格纳风格”成了歌剧或一般音乐中“先进”及非传统的代义词。为了实现自己在歌剧改革方面的理想，并将这一切呈现于世人，华格纳特地筹建了拜罗伊特音乐节演出自己的作品。而这个音乐节到现在一直都吸引著世界音乐爱好者的眼光。 据说希特勒曾叫人在拜罗伊特为他专门演出华格纳的作品，当时他感动得流泪，恨不得与这位上个世纪的天才执手亲谈。很多人在听华格纳音乐的同时要提到他的思想。无可否认音乐家本身的性格与思想对其创作作品有着很大的影响。华格纳的青年时期，其思想主要倾向于“德意志”，他受到费尔巴哈和巴枯宁的影响，写过许多狂热激进的文章，甚至参加过德勒斯登的革命。 1848年欧洲资产阶级革命失败以后，华格纳逐渐接受了叔本华的悲观主义论调以及尼采的超人论等思想，以及后来戈比诺（Arthur de Gobineau）的雅利安种族主义理论。晚年的时候，华格纳也受到宗教神秘思想的影响。华格纳与尼采曾是关系很好的朋友，他们的友谊维持了十年。当尼采与叔本华的关系决裂后，又因为华格纳还是叔本华的信徒，所以尼采也就与他的友谊自然而然的决裂了。 1878年1月3日，华格纳将《帕西法尔》赠送给尼采，尼采写了最后一封信给华格纳，并回赠自己的新书《人性，太人性的》。1888年，尼采写作《华格纳事件》和《尼采反对华格纳》正式的表述出自己对这位昔日好友的看法。巴伐利亚国王路德维希二世一直是华格纳最重要的支持者和保护人，华格纳有多部作品是献给他的。而路德维希二世也是华格纳狂热的崇拜者。他以华格纳歌剧的内容为主题，修建了宫殿新天鹅堡，其内部有齐格弗里德屠龙的金像，描绘《特里斯坦与伊索尔德》故事的挂毯，以《汤豪舍》故事设计的山洞和节日大厅，而且他计画将这一城堡作为礼物献给华格纳，当作歌剧《帕西法尔》的背景。他资助了华格纳修建拜罗伊特节日剧院，并且作为贵宾出席了开幕演出。 艺术成就 ① 对传统歌剧进行了彻底的改革。他在改革中实施了“整体艺术观”、“无终旋律”以及“主导动机”的手法，并强调戏剧第一，音乐第二，坚持音乐必须服从戏剧内容需要进行创作的原则，改革后的歌剧被称为乐剧（Das Musikdrama）。 ② 创作了《尼伯龙根的指环》和《特里斯坦与伊索尔德》等划时代的经典乐剧，使浪漫主义歌剧发展到顶峰。 ③ 扩大了歌剧中管弦乐队的编制（三管制或四管制），加强了乐队的表现力，改变了传统歌剧将乐队当作“巨型吉它”，使其处于人声伴奏状态的做法。他抓住了乐队的表现特点，通过“主导动机”的运用来阐述戏剧内容，使乐队成为表达剧情内容的有效工具。 ④ 建立半音化和声，淡化调式调性，创建了“特里斯坦” *** ，对20世纪音乐观念产生了重要影响。

莫扎特喜歌剧作品都有哪些

歌剧是莫扎特最重要的创作领域，一生所作的20余部歌剧包涵了各种体裁类型。德语歌唱剧《后宫诱逃》、意大利正歌剧《伊多梅纽》、《蒂托的仁慈》，意大利喜歌剧中最优秀的是《费加罗的婚礼》、《唐璜》、《女人心》，德语歌唱剧《魔笛》为德国民族歌剧树立了不朽的丰碑。他在剧中采用德语对白，蕴含著德国文化传统的哲理性。他的歌剧善於用不同的音乐塑造不同的人物，他把重唱形式作为戏剧性冲突，造成**的重要手段，加强了序曲的预示和渲染戏剧氛围和剧情的作用。 瓦格纳—— 浪漫主义时期德国歌剧改革家，歌剧作曲家。他把自己对於歌剧改革的见解写成论著，主要有《艺术与革命》、《歌剧与戏剧》等。并完成了体现其改革理想的歌剧四部作《尼伯龙根的指环》，创作了歌剧《特里斯坦与伊索尔德》。瓦格纳在歌剧史上延续了格鲁克的歌剧改革。早期创作的《黎恩济》有明显的大歌剧风格；音乐亦受到迈耶贝尔等大歌剧作曲家的影响。中期的三部歌剧是德国浪漫主义歌剧的杰作。他们都有著“拯救”情节：《漂泊的荷兰人》、《汤豪塞》、《罗恩格林》。晚期他在苏黎世发表了关於乐剧的理论：未来的艺术必须以古希腊悲剧为榜样，成为理想的整体艺术，这种新型的歌剧可称之为“乐剧”。他提出歌剧应选择神话为题材，认为以往的“分曲”结构破坏了戏剧的连贯性，应取消宣叙调、咏叹调、合唱等固定套式的段落，代之以“无终旋律”。他的歌剧的声乐部分常用“念唱旋律”，随著剧情发展的需要自然地进入和消失。瓦格纳在歌剧中有意识地运用主导动机，成为求得音乐统一的有效手段。此外，他的音乐具有很强的交响性。他的作品中最能体现他乐剧理论的就是《特里斯坦与伊索尔德》。而其集大成之作是根据古代北欧神话“尼伯龙根之歌”写成的四部作《尼伯龙根的指环》。 罗西尼—— 浪漫主义意大利歌剧作曲家。1810年起，作有正歌剧《奥塞罗》、《威廉退尔》，喜歌剧《灰姑娘》、《塞维利亚的理发师》。19年间写了38部歌剧。罗西尼具有天生的喜歌剧感觉和舞台意识。以《塞维利亚的理发师》最为优秀，剧目节奏活跃，**处常用重唱作结。他在遵循意大利歌剧传统的同时，作了些细微而有效的创造，他为宣叙调配上弦乐伴奏以增强表现力，讲歌剧的炫技部分明确地记在谱上，罗西尼的歌剧序曲显示了他卓越的管弦乐技巧，常作为独立的乐曲在音乐会上演奏。 威尔第—— 浪漫主义意大利歌剧作曲家，一生的创作代表了意大利19世纪下半叶歌剧发展的历史。26部歌剧中，两部喜歌剧，其余为正歌剧。他不进行改革，而是通过创造来发展意大利歌剧。早期创作代表作有《伦巴第人》、《欧那尼》、《麦克白》。威尔第所采用的歌剧素材，寄寓了人民要求拜托奥地利统治的愿望。他的歌剧包涵4幕，采用分曲歌剧的形式。中期代表作有《弄臣》、《游吟诗人》、《茶花女》，题材转向现实生活，对於人物性格内心描绘更加细致，大歌剧《阿伊达》是他顶峰之作，华丽壮观，气势宏伟，创作以”场“为主，插进”分曲“结构。晚期代表作有《奥塞罗》、《法尔斯塔夫》，前者每幕音乐连续发展，剧中人声与管弦乐达到前所未有的融合，后者是意大利喜歌剧的顶峰，也为这一体裁划上了句号。

意、法、德歌剧的区别

意、法、德歌剧应该说是欧洲三大主流类型的歌剧了，三者差别比较大，但其中也有不小的联系。
意大利歌剧兴起的时间是最早的，像现存最早的歌剧《尤莉迪茜》就是意大利歌剧。意大利歌剧主要特点是演唱采用美声唱法，旋律和演唱都非常优美柔和，全剧从头到尾听下来会感觉很舒服，极少有出现不和谐的情况（这一点上普契尼是例外的，因为他或多或少会受到瓦格纳不和谐半音阶和20世纪怪诞风格的影响），独唱和重唱是主要部分；早期比较好的意大利歌剧当属蒙特威尔第和亨德尔的作品，往后经过莫扎特、罗西尼，意大利歌剧一直发展到威尔第的时候达到巅峰；
法国歌剧的时间比意大利歌剧晚了很多，当时的法国人希望能像意大利那样发展具有自己独特风格的歌剧，以此满足大众口味；法国歌剧是在意大利歌剧的基础上进行革新的，和后者相比，它融入了更多的合唱、舞蹈（芭蕾）的大场面，显得大气一些（虽然，听起来可能没有意歌剧那么好听）；法国歌剧的代表人物不多，比才算一个，再有就是梅耶贝尔，罗西尼也写过一部（《威廉·退尔》，非常优秀的作品）；
德国歌剧兴起的时间最晚，莫扎特的《魔笛》可以说是第一部真正意义上出名的德国歌剧；特点主要是对白不采用宣叙调的形式而直接用德语对话，旋律上比较纯朴（一定程度上采用德国民间音乐素材），没有意歌剧那么华丽，旋律往往也会出现一定的不和谐（楼主多关注一下瓦格纳就知道了）；莫扎特、韦伯都有不错的德歌剧作品，到了瓦格纳的时候德国歌剧达到全盛时期。至于瓦格纳本人，不赘言了，写下去就要比楼上那些摘抄的可能还多了。

管弦乐曲（管弦乐曲有哪些乐器）

今天小给各位分享管弦乐曲的知识，其中也会对管弦乐曲有哪些乐器分析解答，如果能解决你想了解的问题，关注本站哦。
管弦乐曲的历史起源
欧洲的器乐长期附从于声乐，至十六世纪才逐渐独立。随着乐器制作技术的发展，尤其是歌剧的兴起，使十七世纪的器乐创作有了显著进步，产生了舞曲合成的古典组曲，以及曲式自由的序曲，而赋格曲、幻想曲、随想曲、变奏曲、前奏曲等体裁也渐被普遍使用。十八世纪，小提琴音乐迅速发展，歌剧序曲体裁的变革，曼海姆乐派等积极探索新的形式和表现手段，均为维也纳古典乐派的革新提供了有利条件。海顿确立了管弦乐队编制和主调音乐样式；莫扎特则进一步加以肯定，并发挥了木管乐器独特的表现力；贝多芬以交响性、戏剧性手法写作管弦乐序曲，给了奏鸣曲式以广阔的表现天地。十九世纪末、二十世纪以来，西方管弦乐创作中产生了各种主义和流派。影响较大的是德彪西的印象主义、兴德米特和斯特拉文斯基一度热衷的新古典主义、拉赫玛尼诺夫的晚期浪漫主义、以勋伯格为代表的新维也纳乐派的表现主义和十二音体系。同时，美国爵士音乐也借助管弦乐的外壳风行于世，并渗透到格什温、格罗菲等人的创作之中。许多管弦乐作品，形式更为自由，调性更多变化，节奏更为复杂，有些则有力度猛烈、结构浓缩，以及讲究线条对位等倾向。
有哪些好听的中国管弦乐？
贺绿汀：森吉德玛，鲍元恺：管弦曲五首，李焕之：春节序曲，刘铁山、茅沅：瑶族舞曲，何占豪、陈钢：梁山伯与祝英台、殷承宗、储望华、刘庄、盛礼洪、石叔诚和许斐星改编自冼星海《黄河大合唱》的《黄河》钢琴协奏曲
民族管弦乐队演奏的乐曲有那些
民族管弦乐队作品
《春江花月夜》、《湖上春光》、《将军令》、《月儿高》、《步步高》、《紫竹调》、《三六》、《京调》、《大起板》、《达姆达姆》、《美丽的梭罗河》、《四个小天鹅》、《火鸟》、《月光》、《卡门》、《图画展览会》、《自新大陆》、《雅典的废墟》、《喜洋洋》、《欢庆新春》、《东海渔歌》、《旭日东升》、《长安社火》、《大江东去》、《蜀宫夜宴》、《寒光倩影》、《北方生活素描》、《苏武》、《秦香莲、《花木兰》、《长城随想》、《泊罗江幻想曲》、《十二月》、《达勃河随想曲》、《回旋协奏曲》、《塔什拉玛干掠影》、《枫桥夜泊》、《神曲》、《两乐章音乐》、《琵琶协奏曲》、《为拉弦组写的组曲》、《天籁》等。
世纪初大同乐会根据琵琶曲《夕阳箫鼓》改编的民乐合奏曲《春江花月夜》可视为现代民族管弦乐队作品的源头。此后这类作品陆续有所见，但真正有史可查属于严格意义上的专业创作的，本世纪上半叶大概只有谭小麟的民乐合奏《湖上春光》。
在新中国成立至90年代的民族乐队作品中，改编曲不仅数量多，而且质量高。一类是根据传统曲目改编的如彭修文的《将军令》、《月儿高》、《步步高》、《紫竹调》，顾冠仁的《三六》、《京调》，何彬的《大起板》等；一类是根据欧洲管弦乐队作品改编为民族管弦乐曲，在这方面彭修文的努力值得重视。他不仅将中国作曲家的管弦乐《瑶族舞曲》、《翻身的日子》、《春节序曲》等改编为民族管弦乐曲，而且还将改编的范围扩大到外国民间乐曲和欧洲古典名作如《达姆达姆》、《美丽的梭罗河》和《四个小天鹅》。到了新时期之后，他进一步移植了一些难度较高的大型管弦乐作品如斯特拉文斯基《火鸟》、德彪两《月光》、比才《卡门》组曲、穆索尔斯基《图画展览会》、德沃夏克《自新大陆》第二乐章及贝多芬《雅典的废墟》等，取得厂较好的效果。
在严格意义上的创作曲目中，单乐章的合奏曲或乐队小品如刘明源的《喜洋洋》、油达民的《欢庆新春》、马圣龙、顾冠仁的《东海渔歌》、董洪德和刘风锦等的《旭日东升》较有特色，其风格一般注重抒情性和色彩性，擅长描写欢乐节庆气氛和民俗性画面。到了新时期，这类作品在数量上相对减少，但艺术上更成熟了。其中较重要的作品有赵季平和鲁日融的《长安社火》、徐景新等的《大江东去》、朱舟等的《蜀宫夜宴》、刘文金的《寒光倩影》、刘锡津的《北方生活素描》等。
型多乐章民族管弦乐作品，较早是五六十年代出现的中胡协奏曲《苏武》和民族交响乐《秦香莲》。在新时期的10余年中，大型民族管弦乐曲创作取得了空前丰收，顾冠仁的琵琶协奏曲《花木兰》、刘文余的二胡协奏曲《长城随想》、李焕之的《泊罗江幻想曲》、彭倍文的交响套曲《十二月》、何训田的《达勃河随想曲》、王澎的双筝协奏曲《回旋协奏曲》、金湘的组曲《塔什拉玛干掠影》、崔新和朱昌耀的二胡协奏曲《枫桥夜泊》等作品，在取材广度与深度、风格多样性与丰富性、对戏剧**绪的提炼与展开、大型形式和恢宏构思的掌握与驾驭、民族气质和神韵的内在追求、和声配器手法的创新和某些现代技法的合理运用诸方面，比起五六十年代同类作品来，无疑实现了巨大的跨越。
在新时期大型民族乐队作品的创作中，"新潮"作曲家的介入和他们的作品如瞿小松的管乐协奏曲《神曲》、《两乐章音乐》，谭盾《琵琶协奏曲》、《为拉弦组写的组曲》，何训田《天籁》等，大多采取非常规的乐器组合、和声及配器语言、非常规音区音色和非常规演奏法，实际音响的高度紧张尖锐，在音乐界引起争论，但有些作品如《天籁》却显示出博大、悠远、古朴、轻灵的特质，令人耳目一新。
经典管弦乐曲有哪些
贝多芬
2首浪漫曲；勃拉姆斯：小提琴协奏曲；柴科夫斯基：小管弦乐
提琴协奏曲巴托克·管弦乐队协奏曲、弦乐打击乐钢片琴音乐、匈牙利素描柏辽兹·幻想交响曲
贝多芬；舒伯特贝多芬；勃拉姆斯；柴可夫斯基；门德尔松·小提琴协奏曲贝多芬；勃拉姆斯·小提琴协奏曲贝多芬·第三交响曲、艾格蒙特序曲贝多芬·第五、六交响曲贝多芬·第五、七交响曲贝多芬·第五钢琴协奏曲贝多芬·第五交响曲；舒伯特第八交响曲贝多芬·第一～四号钢琴协奏曲、两首浪漫曲贝多芬·七、八交响曲贝多芬·四、六交响曲贝多芬·一～四交响曲贝多芬·庄严的弥撒；莫扎特·加冕弥撒勃拉姆斯、德沃夏克、鲍罗丁：舞曲勃拉姆斯·第二钢琴协奏曲勃拉姆斯·第一、二号钢琴协奏曲、幻想曲勃拉姆斯·二重协奏曲；门德尔松·小提琴协奏曲勃拉姆斯·交响曲全集勃拉姆斯·小提琴协奏曲；莫扎特·交响协奏曲布鲁赫·第一小提琴协奏曲、苏格兰幻想曲柴科夫斯基·第四～六交响曲
柴科夫斯基
·第五交响曲、斯拉夫进行曲柴科夫斯基·管弦乐作品柴可夫斯基·第一钢琴协奏曲、小提琴协奏曲柴可夫斯基·小提琴协奏曲、洛可可主题变奏曲超人如是说、梯尔、唐璜、七重沙舞-理查·施特劳斯德彪西·大海；莱斯庇基·罗马的泉、罗马的松树德沃夏克、柴可夫斯基、埃尔加·弦乐小夜曲德沃夏克·大提琴协奏曲；布鲁赫·科尔尼德莱；柴可夫斯基·洛可可主题变奏曲德沃夏克·大提琴协奏曲；柴可夫斯基·洛可可主题变奏曲德沃夏克·第九交响曲“新大陆”、五首斯拉夫舞曲德沃夏克·第五、七号交响曲格什温·蓝色狂想曲、一个美国人在巴黎
拉赫玛尼诺夫
第二、四钢琴协奏曲等拉赫玛尼诺夫·第二号钢琴协奏曲、帕格尼尼主题狂想曲拉赫玛尼诺夫·第二交响曲；交响诗“死岛”拉赫玛尼诺夫·第三钢琴协奏曲；柴可夫斯基·第一钢琴协奏曲拉威尔·管弦乐集拉威尔·管弦乐作品集莱纳之声李斯特·管弦乐作品里姆斯基-科萨科夫·天方夜谭和斯特拉文斯基·夜莺之歌**·第八交响曲**·第四交响曲、五首吕克特歌曲、大地之歌**·第四交响曲、五首吕克特歌曲、大地之歌**·第五交响曲民族管弦乐·长安社火莫扎特·长笛作品集莫扎特·伟大的钢琴协奏曲第一辑莫扎特·小提琴协奏曲全集、二首小提琴奏鸣曲帕格尼尼·第一、二小提琴协奏曲舒伯特·第八交响曲“未完成”、第九交响曲“伟大”舒曼；拉罗；圣桑·大提琴协奏曲死与净化、变形、最后四首歌-理查·施特劳斯苏佩、奥贝、莫扎特等歌剧作品序曲集唐·吉柯德-理查·施特劳斯瓦格纳·“指环”、“名歌手”、“特里斯坦和伊索尔德”中的音乐瓦格以色列管弦乐
纳·管弦乐作品瓦格纳·管弦乐作品集威尔第·歌剧序曲与前奏曲集维瓦尔第·四季、双簧管协奏曲、巴松管协奏曲、短笛协奏曲我的祖国-斯美塔那西贝柳斯；尼尔森·小提琴协奏曲西贝柳斯·第二交响曲、芬兰颂等西贝柳斯·第四～七交响曲、图内拉的天鹅、塔皮奥拉约翰·施特劳斯-圆舞曲、波尔卡著名的歌剧序曲

简述瓦格纳对歌剧作出了何种改革代表作有什么

瓦格纳对歌剧作出了如下的改革，他的代表作有《尼伯龙根的指环》和《特里斯坦与伊索尔德》。

一、瓦格纳对歌剧作出了改革

1、不再关注局部

他已经不像之前那么专注于局部了。他提出了“全局性”的艺术观念，在原有的歌剧基础上，提出舞台、服装、表演、色彩、音乐、剧本等都是一体的、不可分割的。

2、发挥器乐的重要性

他把乐器的重要性提到了一个新的高度，在传统的歌剧中，乐器只是一种辅助乐器，但在他的手中，却起到了无可取代的作用。他关注所有元素的融合，他想要它们之间的火花。这些变化使歌剧更具生命力、更形象、更有戏剧性。

3、对歌剧结构的改革

瓦格纳强调有了戏曲，就有了音乐，就有了主次之分，他认为歌剧要融合、要融入，这样才能增强歌剧的戏剧效果。他又做了一项重大的变革，那就是在结构上进行了变革，他相信，传统的分曲会破坏戏剧的连续性。他许多作品的序曲由传统的序曲转变为更具感染力、富有诗意的序曲。

二、代表作品

瓦格纳创作了《尼伯龙根的指环》和《特里斯坦与伊索尔德》等划时代的经典乐剧，使浪漫主义歌剧发展到顶峰。

《尼伯龙根的指环》是歌剧领域中演出时间最长、演绎难度和演唱难度最大的超大规模作品，这部作品从1848年开始编曲，于1874年完成的史诗级作品，一共经历了26年的时间。

这部歌剧分为四章，分别是《莱茵的黄金》、《女武神》、《齐格弗里德》、《诸神的黄昏》。每个章节的长度都超过了一般的歌剧，如果要观看一部完整的歌剧要花4个晚上，总共16个小时，这在歌坛上是前所未有的。

《特里斯坦与伊索尔德》被誉为瓦格纳最伟大的杰作，与贝多芬的《第九交响曲》并称十九世纪最具影响的音乐，是音乐、诗歌、音乐、心理、哲学、感官和思想的完美融合。

求古典音乐十大音乐家的巅峰作品

路德维希·凡·贝多芬 （1770－1827） 伟大的德国作曲家1804年，贝多芬完成了《第三交响曲》。正当他准备献给拿破仑时，拿破仑称帝的消息传到了维也纳。 贝多芬从学生李斯(1784-1838)那里得知这个消息时，怒气冲冲地吼道：“他也不过是一个凡夫俗子。现在他也要践踏人权，以逞其个人的野心了。他将骑在众人头上，成为一个暴君！”说着，走向桌子，把写给拿破仑的献词撕个粉碎，扔在地板上，不许别人把它拾起来。过了许多日子，贝多芬的气愤才渐渐的平息，并允许把这部作品公之于世。1804年12月，这部交响曲在维也纳罗布科维兹亲王的宫廷里首次演出。1805年4月在维也纳剧院的第一次公开演出，是由贝多芬亲自指挥的，节目单上写着：“一部新的大交响曲，升D大调，路德维希·凡·贝多芬先生作，献给罗布科维兹亲王殿下。”奇怪的是，贝多芬不说是降E大调，而说是升D大调。1806年10月总谱出版时，标题页上印着：英雄交响曲为纪念一位伟人而作。从此，《第三交响曲》就被称为“英雄交响曲”。
舒柏特 （Franz Seraph Peter Schubert）（1）名家介绍：　　舒柏特 （1797-1828），奥地利作曲家，1797年1月31日生于维也纳。童年时代就接触音乐。舒柏特生活在古典主义和浪漫主义的交接时期。他的交响性风格继承的是古典主义的传统，但他的艺术歌曲和钢琴作品却完全是浪漫主义的。他绝妙的抒情性使李斯特称他为"前所未有的最富诗意的音乐家"。舒柏特在传统的室内乐中注入了自己的精神特性。它们也是维也纳古典主义的最后一批作品。而在"即兴曲"和"音乐瞬间"中，舒柏特使钢琴唱出了新的抒情风格。它们的随想性、自发性和意料不到的魅力都成了浪漫主义的要素。 （2）代表作品 　　舒柏特最广为流传的是他那由感而发的六百多首歌曲。 我们熟悉的还有著名的《舒伯特小夜曲》，优美的旋律，令人陶醉。2：肖邦(Fredric Chopin)（1）名家介绍：　　肖邦(1810-1849)，波兰作曲家。肖邦在孩童时代就显示了音乐天才。十九岁时他写下了《f小调钢 琴协奏曲》，1831年，肖邦来到巴黎，与许多杰出的艺术家来往，如音乐家李斯特、柏辽兹，文学家雨 果、巴尔扎克、海涅，画家德拉克洛瓦。在与闻名于世的小说家乔治.桑的交往中，肖邦步入创作最旺盛的时期。肖邦是浪漫主义时代最有独创性的艺术家之一，他的风格是独一无二的。在第一流的艺术家中，肖邦是唯一把他的创作生活集中于钢琴上的大师。他巧妙克服了钢琴不能演奏任何时间长度的持续音的主要局限。对于现代钢琴风格的形成，功不可漠。他第一次在音乐中突出斯拉夫民族因素，使斯拉夫民族因素归入了欧洲音乐的主流。他的作品旋律矫健勇猛；玛祖卡那骑士般的辉煌；圆舞曲充满甜蜜 的柔情。肖邦还写了幻想曲、谐谑曲、叙事曲、即兴曲、前奏曲、奏鸣曲。他抒发感情神秘莫测、令人销魂。 （2）代表作品：　　《f小调钢琴协奏曲》、C小调练习曲《革命》等。3：韦伯 （1）名家介绍： 　　韦伯（1786一1826）德国作曲家。出生于一个戏剧之家，对德国民间音乐、风俗也有很深的体验。这对他以后的音乐创作具有重要的意义。韦伯十岁学钢琴，以后又学作曲，十二岁开始写作歌剧音乐。1813年以后，他先后任布拉格剧院和德累斯顿交响乐团常任指挥，对这两个演出团的成名起了重要的作用。（2）代表作品： 　　韦伯的代表作是歌剧《自由射手》即《魔弹射手》。它那浓郁的德国风格和浪漫气息，被认为是德国第一部漫主义歌剧。此外，他还写了歌剧《奥伯龙》，以及少序曲、协奏曲，奏鸣曲。其中，钢琴曲《邀舞》最为脍炙人口。4：彼得·伊里奇·柴科夫斯基 （1）名家介绍：　　彼得·伊里奇·柴科夫斯基（1840－1893）十九世纪伟大的俄罗斯作曲家、音乐教育家，被誉为伟大的俄罗斯音乐大师。他1840年5月7日出生于乌拉尔的伏特金斯克城一个充满音乐气氛的家庭。他自幼便已显示出非凡的音乐才能，1862年，柴科夫斯基进彼得堡音乐学院学习，踏上接受真正的专业音乐教育的决定性道路。1866年就任莫斯科音乐学院教授，历时十一年之久。他创作出各种各样的优秀作品。1877年开始，是柴科夫斯基的创作的极盛时期。柴科夫斯基是总结全欧洲音乐发展的整个时代的一位伟大的世界规模的俄罗斯人。他建立了自己宏大的交响音乐体系，成为交响音乐方面登峰造极的人物之一。 柴科夫斯基一生共写了七部交响曲，其中《g小调第一交响曲》是他的交响乐体裁的**作，是一部真正的俄罗斯交响曲，其特征是着重于心理描写、充满爱国主义的抒情情调。这部交响曲也是人们理解他的交响乐作品的人门阶梯和"门径"。

属和弦的特征音【试论和弦外音的美学特征】

　　和弦外音与和弦音一样，都是调性和声构成的材料，几乎没有一首作品是完全由和弦音所构成的，因为这既不现实，更不“艺术”，不符合和声美学的组织规律。正是在两者共同配合、共同作用下，方能胜任多声部音乐作品的形式构成与内容表现。可是，在和声学研究领域，和弦外音并没有得到应有的关注与重视。外音究竟对多声部作品的形式美的构成与内容的表现起到什么样的作用？它究竟是如何在与和弦的对比与配合中体现自己的美学品质的？这都值得我们研究。
　　
　　一、色彩美――不协和音响的重要来源
　　
　　从音乐表现的角度看，无论是对丰富、复杂、微妙的人的情感世界的刻画，还是对于形态丰富、时而温柔、时而暴虐的大自然的描绘，单靠协和音显然是不能胜任的，不协和音的存在正是音乐表现对象的需要对和声所提出的客观要求。从和声的发展历史来看，虽然不同音乐发展时期对不协和的标准有着不尽相同的认识，但不协和音响却如同一块充满巨大磁场的磁铁一般紧紧地吸引着作曲家的目光，以致他们对于作品中不协和音响的关注程度要远远大于对协和的关注，这可能是因为人的本质力量具有极大的挑战欲与征服欲的缘故。作曲家们热衷寻求不协和音响的做法始终伴随着和声的历史发展，所以勋伯格认为“和声发展史不是协和音的发展史，而是不协和音的发展史”。
　　而在对不协和音响进行开发的过程中，和弦外音扮演着异常重要的角色，几乎成为不协和和弦产生的“摇篮”。正是在使用和弦外音的音乐实践中，一些三和弦与外音偶然结合而成的不协和的音响逐渐引起了作曲家的兴趣，他们发现，这些不协和音响与某些不谐和的现象之间存在着惊人的“对应性”（即格式塔心理学所说的“异质同构”关系），并且具有不同于协和音响的独特色彩、审美效果与表现力。出于音乐表现的客观需要，作曲家自身审美观，以及对于和声音响色彩的审美追求，这些外音与和弦之间耦合而成的新颖、独特的纵向音响结构也就渐渐地被纳入到了作曲家的审美视野，并逐步进化成为具有独立结构形态的和弦。综观各种较为复杂的不协和和弦形态，包括从七和弦到后来的九和弦、十一和弦、十三和弦等高叠和弦，各种变和弦，再到各种带有附加音的和弦等，都不可避免地遗留有外音作用过的痕迹，并都大致经历了一个由“耦合”形态到“固化”形态的发展历程。
　　当然，远不是所有的外音与和弦的结合最终都会成为新的和弦形态。在音乐作品中，外音与和弦的结合具有无比丰富的可能性，会形成各式各样相对来说带有偶然性的纵向排列。它们虽然与不协和和弦一道同样在作品中担任着提供不协和音响的作用，但在使用中又有着自己独特的意义，外音的使用在特定的和声节奏内给和弦增添了附加的紧张度与新颖的和声色彩，并不同程度地对旋律线条、声部进行的流畅性与逻辑性、音乐趣味的产生或**的形成等方面产生影响。
　　
　　二、动感美――音乐运动的动力来源
　　
　　汉斯立克在举世闻名的《论音乐的美》中曾说道：“音乐的内容就是乐音的运动形式。”①虽然言之过激，但此言却道出了音乐与运动之间的紧密联系。也正是因为音乐与世间其他一切事物一样都存在着运动的特征，音乐才有可能表现其他艺术形态所不能表现的――由简单到复杂的、各种事物与人的感情的运动。既然是运动，就需要有推进运动的动力，那音乐中的动力何在？
　　音乐作品就是一个大的矛盾综合体，内部包含着多种多样的矛盾，正是在各矛盾的内部，双方因素的相互斗争与统一、制约与配合下，音乐的运动才有了动力。在音乐作品中，存在着多种这样的矛盾运动，如调性的对比与统一构成了调性与曲式的运动、不协和与协和和弦构成了和声的富于逻辑的运动、级进与跳进构成了声部线条的运动……同样，外音，尤其是强拍上的延留音与倚音，与所在和弦也构成了一对重要的矛盾运动，它们与所在和弦所造成的不协和，会让听众产生紧张感与渴望进行到协和音响的期待，作曲家一般会安排协和音的出现（尽管安排的具体方式不一）以满足听众的期待，这种由不协和到协和的解决所给人的审美体验早在15世纪就为人们所认识。扎里诺说过，“耳朵被不协和音伤害之后，接踵而来的协和音会感到更美，更迷人。”②
　　不协和到协和的解决一方面体现出了人们对于协和的追求，但解决的目的似乎并不仅仅是为了满足这种追求。音乐历史不是朝着协和的一面，却是朝着不协和程度加剧的一面发展，这似乎又反映着人们对不协和的追求。怎样解释这种看似矛盾的现象呢？“当我们将同时存在的追求摆在一起时，得出的结论是存在第三种追求，即对音乐运动的追求。”③外音的出现与解决正是提出矛盾、解决矛盾的运动过程，它们为音乐的发展提供了动力，增添了色彩。
　　优秀的作曲家总是善于巧妙而适度地在作品中制造各种因素之间的矛盾，让音乐在矛盾的对比与冲突中去取得自身运动与发展的动力，而利用和弦外音，尤其是强拍上的外音则可以轻而易举地达到这个效果。如延留音――这一被美国现代音乐理论家该丘斯称为“最富有对位特征的音”，早在对位音乐中就显示出其在多方面的价值功效，并由此得以大量应用。它能与其他声部构成节奏上的静与动的对比，能与所在和弦形成不协和音响的对峙，这些价值在主调音乐时期，在和声序进的有力支撑下获得了更为有力的音乐表现。倚音的运用也表现出同样的功效。很多作曲家都善于利用倚音来形成不协和音响，为音乐的发展提供动力，抑或在力度、节奏等因素的共同配合下来营造音乐作品的**。
　　
　　三、旋律美――构建优美而富于表现力的旋律
　　
　　外音之所以能够起到美化旋律的作用，主要在于：其一，外音的使用为旋律带来了更多的级进进行，从而为形成级进与跳进相结合的美的旋律线条提供了条件。级进与跳进的交替进行，是构建优美旋律线条的重要方法，其中级进在旋律中占有突出的地位，它是旋律线的基础，玛采尔曾这样评价级进的功效：它“最平常、最自然、最富于逻辑性、最善于将旋律各音连成一个统一体”。④“不仅善于造成流畅的印象，也善于造成旋律线的充实性、音响的饱和感。”⑤有时，音乐作品中音与音之间并不存在级进的关系，但为了易于让听众的听觉把离得较远的音符组合成一个统一的整体来感知，则往往通过级进的隐伏旋律线加以实现，可见级进在音乐作品中有何等重要的意义。然而，单单是和弦音的分解与连接会由于缺乏足够的级进可能产生空洞、呆板、无生气、缺乏美感的旋律，而外音的应用则为旋律带来了丰富的级进，让声部进行更为流畅，在与跳进的结合中形成优美的旋律线条。其二，外音的运用为旋律增添了色彩与趣味，这突出地体现在半音和弦外音的使用上。半音和弦外音是指以变音的形式出现的和弦外音，它的出现为旋律带来了更多的半音进行，增添了旋律的色彩因素，丰富了旋律的表现力，“由这种变化的外音造成的导音关系的旋律，在其他条件相等的情况下，常具有情绪的充实性和紧凑性。”⑥
　　正是因为外音在构建优美旋律线方面的独特功用，使得它几乎成为旋律华彩不可缺少的因素。旋律华彩是指在一定和声进行的基础之上对旋律声部进行的装饰美化，常以旋律或节奏音型化为表征。它可以使声部的节奏与旋律音调更丰富、更富于流动性，旋律的表现力自然也得到了提高，特别是在器乐作品中得到了广泛的应用。
　　
　　四、表情美――塑造特定的音乐形象
　　
　　外音不只是在形成旋律华彩、增加音乐动力与和声色彩等方面扮演着重要角色，它本身就是塑造特定的音乐形象、表达情感的有力手段。如前文所述，我们可以发现，外音始终伴随着音乐表现人类情感的脚步，不同类型的外音在音乐历史发展过程中渐渐形成了自己在某些方面的表情特性，从而成为作曲家塑造特定音乐形象、表达情感所惯用的重要手法。
　　延留音特有的旋律线条与节奏对位，以及二度下行音调，使得它在音乐表情的广度与深度方面获得了独特的表现力，从而在诸多外音中占有非常突出的地位。如旋律学家托赫认为，延留音是“和声外音中最重要、最有趣的音，具有丰富、深刻、内在的表现效果”，⑦延留音特有的旋律线条以及与解决音的交错出现，则“特别显示了女性的温柔、美丽和爱情”。⑧玛采尔也认为，延留音多与抒情的（广义的）表现范围有关，“它大多表现公开的、明显的抒情情绪――从多愁善感的或悲伤的‘叹息’到热情的爆发，从浪漫主义的‘忧伤’到激动的、高涨的情绪。”⑨特别是作品中连续应用延留音的下行二度进行，更是成为表达悲怆情绪的最为有效的手段，在某些作曲家如柴科夫斯基等人的作品中，这种延留音的使用几近成了一种表情的必需要素而成为风格标签的一个重要组成部分。倚音与延留音，在某种程度上有着颇为相似的特性，两者下行二度的“叹息”音调，在表达忧伤、痛苦、思念等情绪方面有着特殊的表现力，因此，在不同时代的音乐作品中得到了大量应用。著名的《特里斯坦与伊索尔德》序曲中的开始动机，就是利用倚音来表达难以名状的痛苦。
　　从一般意义上来说，各种类型的弱拍上的外音，无论在表现情感的广度还是深度上，与强外音相比都显得稍微欠缺，就像托赫所说，它们“无论如何都具有一种或多或少的嬉戏的性格”，⑩但它们同样也是重要的表情手段。半音经过音的连续运用所构成的半音化几乎贯穿整个和声发展的历史，它既可以描绘天色朦胧、薄雾笼罩、朝阳出升等自然美景，也常用下行的形式表现悲伤、痛苦、恐惧等情绪，或是上行的形式表现果敢、坚定等情感状态。先出现的音律的抑扬格节奏往往成为勾勒活泼情绪的常用手段，而和弦音与辅助音构成的二度音响，常是我国音乐中民族风情的特殊体现，往往与欢快的或是诙谐的情绪联系在一起。
　　无论是热情的爆发还是低吟的倾诉，无论是狂热的欢喜抑或是难以名状的痛苦，我们都可以用外音去表现无比丰富又微妙细腻的情感世界。
　　
　　结语
　　和弦外音与和弦音相互依存、共同作用，在两者的配合下才使得和声充满前进的动力，不断地在“协和――不协和――协和”的链条中彰显出逻辑美感，才使得旋律的进行充满了“变数”，让听者在一次次的意料之中与意料之外中享受旋律所带来的趣味，也才使得多声部作品呈现出一幅幅动静交织、浓淡交错、张弛相间、色彩斑斓的美丽画面。还须说明的是，外音的使用在不同时期、国家、地区、流派的作曲家手中会呈现出千变万化的特点，因此，对和弦外音的深入研究需要一个长期的积累过程，必须通过大量的个案研究，才能对其有更多、更深层次的认识。
　　注释：
　　①汉斯立克.论音乐的美――音乐美学的修改刍议.北京：人民音乐出版社，1980：50．
　　②戴定澄.欧洲早期和声的观念与形态.上海：上海音乐出版社，2000：169.
　　③郭龙.论解决.音乐探索，1989（2）：28．
　　④⑤⑥⑨玛采尔.论旋律.北京：人民音乐出版社，1983：77-133．
　　⑦⑧⑩恩斯特・托赫.旋律学.北京：人民音乐出版社，1989：122-136．
　　作者单位：徐州师范大学音乐学院
　　（责任：贺秀梅）

瓦格纳的代表歌剧是什么

瓦格纳的代表歌剧有：《黎恩济》、《漂泊的荷兰人》。

歌剧介绍：

1.《黎恩济》：

五幕悲剧，是德国作曲家、剧作家理查德瓦格纳继《仙女》和《禁恋》后的第三部歌剧作品。

《黎恩济》全称是《黎恩济，最后的护民官》，故事叙述了14世纪中叶的罗马护民官黎恩济的故事：黎恩济因率众反抗贵族们的暴虐使罗马市民恢复自由，却由于妹妹跟青年贵族的恋爱和别的因素，受到市民误解而被杀，结果罗马市民的自由也随着消失。

2.《漂泊的荷兰人》：

作品于1843年01月02日公演。作品含蕴着阴郁迷幻的色彩，只偶尔夹杂着一些轻松优娴的情调。瓦格纳的剧词是根据北欧的传说写成的。

讲述了从前有一个荷兰的航行者，冒着巨暴的风浪要想绕过好望角，并发誓说必须完成其壮举，虽作一世的航行亦所不惧。

魔鬼听了他的誓言，就判了他的罪，罚他终生在海上漂流，直至世界的末日；他将永远不得解脱除，非他能找到一个女子忠心爱他，直至他的死日。每七年许他**一次，让他去寻觅那愿以忠贞的爱为他赎身的女子。

扩展资料

瓦格纳在这《漂泊的荷兰人》的序曲里运用了全剧的主导动机，把剧中的情节借音乐做了很美丽而动听的叙述。开始是描写暴风雨的句子，从中现出了有力、但阴郁的、代表荷兰人的动机。管弦乐正如暴风雨中汹涌澎湃的海洋，在这暴乱的声浪中，代表那荷兰人的主导动机一再浮现

瓦格纳14岁的时候，写出了一部长达五幕的大悲剧《莱巴尔德与阿德莱达》。这部戏剧虽然明显地带有莎士比亚悲剧的印记，但作为一部少年习作。

瓦格纳接受系统的音乐教育并不太早，11岁才开始学钢琴。由于听了威柏亲自指挥的歌剧《自由射手》又使他对音乐的兴趣由钢琴转向歌剧。

参考资料来源：百度百科-瓦格纳